Quais as características da arte moderna? E os movimentos?

A arte moderna engloba uma série de movimentos mais recentes no mundo da arte. Com características próprias, esses movimentos ainda compartilham de uma série de características semelhantes que fazem deles únicos. Vamos entender um pouco sobre a arte moderna e as características que fazem dela diferente das outras.

O que é arte moderna?

Não existe uma definição precisa do termo “Arte Moderna”: permanece um termo elástico, que pode acomodar uma variedade de significados. Isso não é muito surpreendente, já que estamos constantemente avançando no tempo, e o que hoje é considerado “pintura moderna” ou “escultura moderna” pode não ser visto como moderno em cinquenta anos.

Mesmo assim, é tradicional dizer que “Arte Moderna” significa obras produzidas durante o período aproximado de 1870-1970. Esta “era moderna” seguiu-se a um longo período de dominação pela arte académica de inspiração renascentista, promovida pela rede de Academias Europeias de Belas Artes. E é ela mesma seguida por “Arte Contemporânea” (1970 em diante), a mais vanguardista da qual também é chamada de “Arte Pós-moderna”.

Essa cronologia está de acordo com a opinião de muitos críticos e instituições de arte, mas não de todos. Tanto a Tate Modern, em Londres, quanto o Musée National d’Art Moderne, no Centro Pompidou, em Paris, por exemplo, consideram 1900 como o ponto de partida para a “Arte Moderna”. Além disso, nem eles, nem o Museu de Arte Moderna de Nova York, fazem qualquer distinção entre obras “modernistas” e “pós-modernistas”: em vez disso, vêem ambas como fases da “Arte Moderna”.

Incidentalmente, ao tentar entender a história da arte, é importante reconhecer que a arte não muda da noite para o dia, mas reflete mudanças mais amplas (e mais lentas) que ocorrem na sociedade. Também reflete a perspectiva do artista. Assim, por exemplo, uma obra de arte produzida em 1958 pode ser decididamente “pós-moderna” (se o artista tiver uma visão muito vanguardista – um bom exemplo é Nouveau Realisme, de Yves Klein); enquanto outro trabalho, criado por um artista conservador em 1980, pode ser visto como um retrocesso para o tempo da “Arte Moderna”, em vez de um exemplo de “Arte Contemporânea”.

Na verdade, é provavelmente verdade que várias vertentes diferentes da arte – ou seja, vários conjuntos de estética, algumas hipermodernas, outras antiquadas – podem coexistir a qualquer momento. Além disso, vale a pena lembrar que muitos desses termos (como “Arte Moderna”) são inventados apenas após o evento, do ponto de vista da retrospectiva.

A década de 1960 é geralmente vista como a década em que os valores artísticos mudaram gradualmente, de “modernista” para “pós-modernista”. Isso significa que por um período de tempo ambos os conjuntos de valores coexistiram entre si.

Sobre a arte moderna e suas origens

Para entender como a “arte moderna” começou, um pequeno contexto histórico é útil. O século XIX foi uma época de mudanças significativas e rapidamente crescentes. Como resultado da Revolução Industrial (c.1760-1860), enormes mudanças na fabricação, nos transportes e na tecnologia começaram a afetar a forma como as pessoas viviam, trabalhavam e viajavam por toda a Europa e América. Cidades e cidades aumentaram e prosperaram à medida que as pessoas deixavam a terra para povoar as fábricas urbanas.

Essas mudanças sociais inspiradas na indústria levaram a uma maior prosperidade, mas também a condições de vida apertadas e lotadas para a maioria dos trabalhadores. Por sua vez, isso levou a: mais demanda por arquitetura urbana; mais demanda por arte aplicada e design – veja, por exemplo, a Escola Bauhaus – e o surgimento de uma nova classe de empreendedores ricos que se tornaram colecionadores de arte e patronos. Muitos dos melhores museus de arte do mundo foram fundados por esses magnatas do século XIX.

Além disso, dois outros desenvolvimentos tiveram um efeito direto na arte do período. Primeiro, em 1841, o pintor americano John Rand (1801–1873) inventou o tubo de tinta de lata dobrável. Em segundo lugar, grandes avanços foram feitos na fotografia, permitindo aos artistas fotografar cenas que poderiam ser pintadas no estúdio em uma data posterior. Ambos os desenvolvimentos beneficiariam muito um novo estilo de pintura conhecido, depreciativamente, como “Impressionismo”, que teria um efeito radical sobre como os artistas pintavam o mundo ao seu redor e se tornaria, no processo, a primeira grande escola de arte modernista.

Além de afetar a forma como os artistas criaram a arte, as mudanças sociais do século XIX também inspiraram os artistas a explorar novos temas. Em vez de seguir servilmente a Hierarquia dos Gêneros e contentar-se com temas acadêmicos envolvendo a religião e a mitologia grega, intercalados com retratos e paisagens “significativas” – todos os temas criados para elevar e instruir o espectador -, artistas começaram a fazer arte sobre pessoas, lugares ou ideias que os interessavam.

As cidades – com suas novas estações ferroviárias e novas favelas – foram escolhas óbvias e desencadearam uma nova classe de pintura de gênero e paisagem urbana. Outros assuntos foram as aldeias suburbanas e pontos de férias servidos pelas novas redes ferroviárias, o que inspiraria novas formas de pintura de paisagens por Monet, Matisse e outros. O gênero da pintura histórica também mudou, graças a Benjamin West (1738-1820), que pintou A Morte do General Wolfe (1770, Galeria Nacional de Arte, Ottowa), a primeira pintura histórica “contemporânea” e Goya (1746-1828). cujo terceiro de maio de 1808 (1814, Prado, Madri) introduziu um idioma inovador, não heroico.

O século XIX também testemunhou uma série de desenvolvimentos filosóficos que teriam um efeito significativo na arte. O crescimento do pensamento político, por exemplo, levou Courbet e outros a promover uma forma socialmente consciente de pintura realista – ver também Realismo ao impressionismo).

Além disso, a publicação de A interpretação dos sonhos (1899), de Sigmund Freud, popularizou a noção de “mente subconsciente”, levando os artistas a explorar o simbolismo e, mais tarde, o surrealismo. A nova autoconsciência que Freud promoveu levou a (ou pelo menos coincidiu com) o surgimento do expressionismo alemão, à medida que os artistas se voltavam para expressar seus sentimentos e experiências subjetivas.

Arte moderna

A arte moderna engloba uma série de movimentos que compartilham algumas características semelhantes. (Foto: Contemporary Art Daily)

Quando a arte moderna começou?

A data mais comumente citada como o nascimento da “arte moderna” é 1863 – o ano em que Edouard Manet (1832-83) exibiu sua chocante e irreverente pintura Le Dejeuner sur l’herbe in the Salon des Refuses, em Paris. Apesar do respeito de Manet pela Academia Francesa, e o fato de ter sido modelado em um trabalho renascentista de Rafael, foi considerado um dos quadros mais escandalosos do período.

Mas isso era apenas um símbolo de mudanças mais amplas que estavam ocorrendo em vários tipos de arte, tanto na França quanto em outros lugares da Europa. Uma nova geração de “artistas modernos” se cansou de seguir as formas tradicionais de arte acadêmica do século XVIII e início do século XIX, e estava começando a criar uma série de “Pinturas modernas” baseadas em novos temas, novos materiais e novos métodos arrojados. Escultura e arquitetura também foram afetadas – e com o tempo suas mudanças seriam ainda mais revolucionárias -, mas a pintura de belas artes provou ser o primeiro grande campo de batalha entre os conservadores e os novos “Modernos”.

Quais são as características da arte moderna?

O que chamamos de “Arte Moderna” durou um século inteiro e envolveu dezenas de movimentos artísticos diferentes, abrangendo quase tudo, da pura abstração ao hiperrealismo; de escolas anti-arte como Dada e Fluxus à pintura clássica e escultura; de Art Nouveau para Bauhaus e Pop Art. Tão grande foi a diversidade que é difícil pensar em qualquer característica unificadora que define a era. Mas, se há algo que separa os artistas modernos tanto dos tradicionalistas anteriores quanto dos pós-modernistas posteriores, é sua crença que a arte importava.

Para eles, a arte tinha valor real. Em contraste, seus predecessores simplesmente assumiram que tinha valor. Afinal, eles haviam vivido em uma época governada por sistemas cristãos de valores e simplesmente “seguiam as regras”. E aqueles que vieram depois do período moderno (1970 em diante), os chamados “pós-modernistas”, rejeitaram em grande parte a ideia de que a arte (ou vida) tem algum valor intrínseco.

Embora não exista uma característica única de definição de “Arte Moderna”, observou-se uma série de características importantes, como segue:

1. Novos tipos de arte

Os artistas modernos foram os primeiros a desenvolver a arte da colagem, diversas formas de montagem, uma variedade de arte cinética, vários gêneros de fotografia, animação (desenho e fotografia), arte da terra e arte performática.

2. Uso de novos materiais

Pintores modernos fixavam objetos em suas telas, como fragmentos de jornais e outros itens. Escultores usaram “objetos encontrados”, como os “readymades” de Marcel Duchamp, a partir dos quais criaram obras de arte do lixo. Assemblages foram criados a partir dos itens mais comuns do cotidiano, como carros, relógios, malas, caixas de madeira e outros itens.

3. Uso expressivo da cor

Movimentos da arte moderna como o fauvismo, o expressionismo e a pintura do campo de cor foram os primeiros a explorar a cor de uma maneira importante.

4. Novas técnicas

A cromolitografia foi inventada pelo artista de cartaz Jules Cheret, o desenho automático foi desenvolvido por pintores surrealistas, assim como Frottage e Decalcomania. Pintores gestualistas inventaram a Action Painting. Artistas pop introduziram “pontos Benday” e serigrafia na arte. Outros movimentos e escolas de arte moderna que introduziram novas técnicas de pintura, incluíram: Neo-Impressionismo, o Macchiaioli, Sintetismo, Gestualismo, Arte Cinética, Neo-Dada, Op-Art e muitos mais.

Quais são os movimentos mais importantes da arte moderna?

Os movimentos mais influentes da “arte moderna” são o impressionismo,  fauvismo, cubismo, futurismo, expressionismo, dadaísmo, surrealismo, expressionismo abstrato, e pop art.

1. Impressionismo (1870, 1880)

Exemplificado pelas pinturas de paisagens de Claude Monet (1840-1926), o impressionismo focalizou a tarefa quase impossível de capturar momentos fugazes de luz e cor. Introduzimos esquemas de cores não naturalistas e pinceladas soltas – geralmente altamente texturizadas. Muitas pinturas impressionistas eram irreconhecíveis de perto.

Altamente impopular com o público em geral e com as autoridades artísticas, embora altamente avaliada por outros artistas modernos, revendedores e colecionadores. Eventualmente se tornou o movimento de pintura mais famoso do mundo. A principal contribuição do impressionismo para a “arte moderna” foi legitimar o uso de cores não-naturalistas, abrindo assim o caminho para a arte abstrata totalmente não-naturalista do século XX.

2. Fauvismo (1905-07)

De curta duração, dramático e altamente influente, liderado por Henri Matisse (1869-1954), o Fauvismo foi “o” estilo da moda em meados de 1900 em Paris. O novo estilo foi lançado no Salon d’Automne e se tornou instantaneamente famoso por suas cores vivas, berrantes e não naturalistas que fizeram o impressionismo parecer quase monocromático! Um precursor chave do expressionismo. A principal contribuição do fauvismo à “arte moderna” foi demonstrar o poder independente da cor. Essa abordagem altamente subjetiva da arte contrastava com a perspectiva clássica de orientação de conteúdo das academias.

3. Cubismo (1908-14)

Um estilo austero e desafiador de pintura, o Cubismo introduziu um sistema de composição de planos planos divididos como uma alternativa à perspectiva linear inspirada na Renascença e volumes arredondados. Desenvolvido por Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963) em duas variantes – Cubismo Analítico e Cubismo Sintético – influenciou a arte abstrata pelos próximos 50 anos, embora seu apelo popular tenha sido limitado. A principal contribuição do cubismo à “arte moderna” foi oferecer uma alternativa totalmente nova à perspectiva convencional, baseada no fato inescapável do plano.

4. Futurismo (1909-14)

Fundada por Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), a arte futurista glorificou a velocidade, a tecnologia, o automóvel, o avião e a realização científica. Embora muito influente, tomou emprestado pesadamente o neo-impressionismo e o divisionismo italiano, assim como o cubismo, especialmente suas formas fragmentadas e múltiplos pontos de vista. A principal contribuição do Futurismo para a “arte moderna” foi introduzir o movimento na tela e ligar a beleza ao avanço científico.

5. Expressionismo (a partir de 1905)

Embora antecipado por artistas como JMW Turner, Van Gogh e Paul Gauguin, o expressionismo ficou famoso por dois grupos na Alemanha pré-guerra: Die Brucke (Dresden / Berlim) e Der Blaue Reiter (Munique), liderados por Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) e Wassily Kandinsky (1866-1944), respectivamente.

Na escultura, as formas do artista nascido em Duisburgo, Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) foram (e ainda são) sublimes. A principal contribuição do expressionismo à “arte moderna” foi popularizar a ideia de subjetividade na pintura e na escultura e mostrar que a arte representacional pode legitimamente incluir a distorção subjetiva.

6. Dadaísmo (1916-24)

O primeiro movimento anti-arte, Dada, foi uma revolta contra o sistema que permitiu a carnificina da Primeira Guerra Mundial (1914-1918). Rapidamente se tornou uma tendência anarquista cujo objetivo era subverter o establishment das artes. Lançado na Suíça neutra em 1916, seus líderes tinham pouco mais de vinte anos e a maioria tinha “optado por sair”, evitando o recrutamento no abrigo de cidades neutras como Nova York, Zurique e Barcelona.

Os fundadores incluíram o escultor Jean Arp (1887-1966) e o poeta romeno e ativista demoníaco Tristan Tzara (1896-1963). A principal contribuição de Dada foi sacudir o mundo das artes e ampliar o conceito de “arte moderna”, adotando tipos totalmente novos de criatividade (arte performática e readymades), bem como novos materiais (junk art) e temas. Seu senso de humor sedicioso perdurou no movimento surrealista.

7. Surrealismo (a partir de 1924)

Fundado em Paris pelo escritor André Breton (1896-1966), o surrealismo foi “o” movimento de arte da moda dos anos entre guerras, embora o estilo ainda seja visto hoje em dia. Composta de asas abstratas e figurativas, ela evoluiu do niilista movimento Dada, cuja maioria dos membros se metamorfoseara em surrealistas, mas, ao contrário de dadaísta, não era nem anti-arte nem política.

Os pintores surrealistas usaram vários métodos – incluindo sonhos, alucinações, geração de imagens automáticas ou aleatórias – para contornar os processos de pensamento racional na criação de obras de arte. A principal contribuição do surrealismo para a “arte moderna” foi gerar um novo conjunto de imagens. Se essas imagens eram exclusivamente não-racionais é duvidoso. Mas a arte surrealista é definitivamente divertida.

8. Expressionismo abstrato (1948-60)

Um estilo amplo de pintura abstrata, desenvolvido em Nova York logo após a Segunda Guerra Mundial, por isso também é chamado de Escola de Nova York. Liderada por artistas americanos – eles próprios fortemente influenciados pelos expatriados europeus – consistia em dois estilos principais: uma forma altamente animada de pintura gestual, popularizada por Jackson Pollock (1912-56), e um estilo muito mais passivo, orientado pelo humor, conhecido como Color Field, defendida por Mark Rothko (1903-1970).

A principal contribuição do expressionismo abstrato para a “arte moderna” foi popularizar a abstração. No caso de Pollock, inventando um novo estilo conhecido como “action painting” – veja fotos por texto; no caso de Rothko, demonstrando o impacto emocional de grandes áreas de cor.

9. Pop Art (final da década de 1950, década de 1960)

Um estilo de arte cujas imagens refletiam a cultura popular e o consumismo de massa da América dos anos 1960. Primeiro emergindo em Nova York e Londres durante o final dos anos 1950, tornou-se o estilo de vanguarda dominante até o final dos anos 1960. Usando imagens em negrito, fáceis de reconhecer e vibrantes cores de blocos, artistas pop como Andy Warhol (1928-87) criaram uma iconografia baseada em fotos de celebridades populares como estrelas de cinema, anúncios, cartazes, embalagens de produtos de consumo e histórias em quadrinhos – material que ajudou a estreitar a divisão entre as artes comerciais e as belas artes. A principal contribuição do expressionismo abstrato para a “arte moderna” foi mostrar que a boa arte poderia ser de baixa testa e poderia ser feita de qualquer coisa.

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